A Chamber of Mirrors / Krystyna Ziach, text by Reinhold Misselbeck

Reinhold Misselbeck, 1994, curator for photography and new media at the Museum Ludwig, Cologne, Germany. Guest curator of the solo exhibition A Chamber of Mirrors / Krystyna Ziach at the Netherlands Photography Museum, Sittard, NL, 1994.

The person who looks in the mirror, imagines that he sees himself. Yet ultimately everyone knows that the reflection is a mirror image - it shows things the other way round - and that the person facing one is not identical with the original.
In the course of the history of mankind, the mirror has nevertheless evolved into an object with a high symbolic value, standing for truth, purity, but also beauty. The searching glance in the mirror is part of femininity. Yet the breaking of one’s mirror image is a symbol of one’s death. The mirror stands for transience, it is a Vanitas symbol.
The mirror also allows us to compare what is opposite. In her three-dimensional photo sculptures Krystyna Ziach places the mirror on the floor, or within the photographs. Reality and the mirror image of reality become comparable, the mirror image allows for the view from another perspective.
In her art work Krystyna Ziach always made use of dualities, brought contradictions together, in order to allow us to form an opinion. In her early work she combined corporality with geometry, sensuality with science, concrete matters with abstraction. She was fascinated by Leonardo Da Vinci’s research of human anatomy and confronted elements from his drawings with images of her own body. She incorporated the body into the drawings, by overpainting she created a unity, made an effort to attune reality and science within the image.
Much as this combination of Leonardo Da Vinci’s research of the human body, human measurements and their relation with geometry and universal measure has personal and deep roots in Krystyna Ziach’s own work, it is nevertheless interesting to perceive this ‘bridge to the past’ as an expression of the Zeitgeist. If one can say about the Renaissance that it discovered man and the human body, made them into the object of art, and that the artist considered himself to be a shining example of this new sense of self-esteem, the eighties of the twentieth century were characterized by an intensive exchange of ideas concerning man’s relationship with his social environment, with the artist conceiving his or her own person as a model in the depiction or presentation of situations in which the relationship between man and contemporary culture was explored in its social, philosophical, psychological and sexual dimensions. In this respect female artists in particular were role models and took leading positions, from Valie Export, Katharina Sieverding and Nathalia LL, to Colette and Barbara Hammann.
In all her work, however much it may have changed over the last ten years, Krystyna Ziach put the emphasis on duality. Human beings were shown in their relationship to an environment which, although situated outside the self, was nevertheless characterized and formed by it. In the series Metamorphosis with which Krystyna Ziach succeeded her first breakthrough towards art criticism, she focused her attention on the dissolution of the self, its merging into the painted backgrounds. These works evolved to a large extent from the image, showed expressivity and spontaneity, developed their issues and their philosophical foundation in the reflection of the painted image. In these works Krystyna Ziach already showed herself to be an early representative of staged photography and photo performance. Her successful combination of painterly and conceptual principles transformed the act of taking photos into the mere final execution of the already completed art work. For Krystyna Ziach photography is the medium through which she fuses the varied constituents of her work – painting, performance, concept and later also assembly and sculpture – to a new whole. Through photography she can join the heterogeneous parts and give the art work a new identity.
Her subsequent series with the title Japan was based on a two-months’ stay in Japan and deals with the relationship of man with religiosity. Buddhism with its deep roots in the daily thoughts of people challenged her to examine the problem. Again she demonstrates her capacity to think in images and while doing so to bring up the essential elements of the intellectual formulation of the problem, such as the meditative element, omnipresence, transparency and the spirituality of Buddhism. Formally the sculptural element enters into her work with the ‘object’ character of the work Infinity. Even here, in this series, thematic aspects are dealt with. The expressive, spontaneous element of her early work takes a back seat to the simplicity, clear composition, perfect aesthetic which to a large extent characterize Japanese thought.
Melancholy thematically returns to the rational element in the dialogue with Leonardo’s drawings on human measurements, yet confronts this rationality of the Italian Renaissance with German emotionality, in that the artist refers to Dürer’s copper engraving ‘Melancholie’ in the title. In doing so she acknowledges Dürer’s outlook, who in his copper engraving links the clarity of technique and visual means with melancholy. In her works Krystyna Ziach achieves a similar duality, in that she confronts the Renaissance motifs, the geometrical drawings or photographs of Michelangelo sculptures, with gestural painting and wedges the human bodies inside triangular forms. Especially in Space of Imagination the tension between the folded body and the light, hardly perceptible triangular line inside which it is framed, gives the feeling of aching, grievous immobility. The lightness of the white geometrical drawing hovering in front of the black background puts a particular emphasis on this contrast of geometrical clarity and unconcern versus wedged animal corporality. Unlike with Leonardo Da Vinci, whose human figures firmly define geometrical measure, the contradiction between spirit and body dominates in Krystyna Ziach’s work as a rather grievous experience.
In Garden of Illusion Krystyna Ziach returns to the aesthetic of the Japan series. The separate photo works are assembled into installations, their visual means are reduced and metaphorical, her own person is withdrawn into the image and her emotions. The ecstatic face of a woman, a woman’s lap, are the few unobtrusive allusions to former expressivity. In Garden of Illusion the observer must fill the part which the portrayed person played in the earlier works. The immanent contradiction of the early work is replaced by the confrontation of the observer with the spatial installation. The clarity of shapes – for geometry has now moved to the frames of the images – the irritation by mirrors, the secret of the curtain, the enigma of the opposites, do not allow for univocal explanations. As the images reflect and duplicate each other, the observer becomes merely conscious that he does not face copies of reality, but illusions of reality, the content of which has to be explored. The Garden of Illusion is a place where the observer first has to define his position. The place certainly is variable, depending on the person trying to fathom it. It is with good reason that Krystyna Ziach, in this work, has chosen the language of objectivity, of the cold surface, of aesthetic smoothness. Titles such as The Inside of a Dream and The Curtain of Pleasure merely arouse expectations which the greater part of the photo objects, with their cool appearance, cannot and will not live up to. The portrait of a woman, the female lap, a hand, grass, broken surfaces, signify where the counter position is to be set. Their titles are Diary of Desire or Breathing I and II. It is in these unobtrusive black-and-white photos, not in the Cibachromes with their shining colours, that references to life, to emotion are to be found.
With Garden of Illusion Krystyna Ziach seems to break away from her former expressivity and to assume a rather more conceptual, minimalistic posture. Yet it would seem to me that her work, when seen in retrospective, evolves as a pendulum with emotionality and rationality alternately dominating the visual means. In its contents it anyhow remains focused on this area, Krystyna Ziach seeing the rational, the transparent, as containing human culture, yet always defining it as something to be found outside the real self, in particular outside the emotional self, and thus also outside of self-realization and fulfilment. Her work is certainly informed by this contradiction and not least by the fact that it does not find clarification in reality. It is remarkable though that in Krystyna Ziach’s work the rational always goes hand in hand with smoothness and inaccessibility, whereas life is in the emotional. Despite all its delusions of perfect beauty, Garden of Illusion testifies to the search for the real, for life itself.
Translation: Hanny Keulers

A Chamber of Mirrors / Krystyna Ziach par dr. Reinhold Misselbeck, 1994 (French)
Reinhold Misselbeck à été le conservateur de la photographie et nouveaux media du Museum Ludwig, Cologne, DE
photo : A Chamber of Mirrors, installation, Musée néerlandais de la photographie, Sittard, NL, 1994
commissaire d'exposition : Reinhold Misselbeck

La personne qui regarde dans le miroir, s’imagine qu’elle se voit elle-même. Pourtant on sait en fait de compte que la réflexion est une image inverse – elle nous montre les choses à l’envers – et que la personne qui nous fait face n’est pas identique à l’original. Cependant le miroir a évolué au cours de l’histoire de l’humanité jusqu’à devenir un objet avec une valeur hautement symbolique, représentant la vérité, la pureté, mais aussi la beauté. Le regard oblique dans le miroir fait partie de la féminité, tandis que la brisure de notre image dans une glace est le symbole de notre mort. Le miroir représente la fugacité, c’est un symbole de la vanité. Le miroir nous permet aussi de comparer ce qui s’oppose. Dans ses photo sculptures tridimensionnelles Krystyna Ziach pose le miroir par terre, ou en dedans des photographies. La réalité et le reflet de la réalité deviennent comparable, l’image réfléchie permettant la considération sous un autre angle. Dans son œuvre, Krystyna Ziach a toujours montré des dualités, assemblé des contradictions, à fin de nous permettre de former une opinion. Dans les œuvres de ses débuts elle a combiné le physique avec la géométrie, la sensualité avec la science, le concret avec l’abstraction. Elle était fascinée par la recherche de Leonardo Da Vinci sur l’anatomie humaine et confrontait des éléments des ses dessins avec des images de son propre corps. Elle incorporait le corps dans les dessins, créait une unité en mettant une couche de peinture, faisait un effort d’accorder la réalité et la science en dedans de l’image. Quoique la combinaison des recherches du corps humain et des mesures humaines faites par Leonardo Da Vinci ainsi que leur relation avec la géométrie et la mesure universelle ait des racines personnelles et ancrées dans l’œuvre même de Krystyna Ziach, il est néanmoins intéressant de percevoir ce ‘pont vers le passée’ comme une expression du zeitgeist. Si l’on peut dire de la Renaissance qu’elle a découvert l’homme et le corps humain, en a fait l’objet de l’art, et que l’artiste s’est considéré comme le modèle idéal de ce nouveau respect de soi, les années quatre-vingt du vingtième siècle se placent sous le signe d’un échange intense d’idées sur la relation de l’homme avec son milieu social, l’artiste prenant sa propre personne comme modèle dans la figuration ou la présentation de situations, où la relation entre l’homme et la culture contemporaine est examinée dans ses dimensions sociales, philosophiques, psychologiques et sexuelles. Surtout les femmes artistes - de Valie Export, Katharina Sieverding et Nathalia LL, jusqu’à Colette et Barbara Hammann - furent à l’avant-garde de ce mouvement. Dans tous ses œuvres, même s’ils ont beaucoup changé au cours des dix dernières années, Krystyna Ziach a toujours mis l’accent sur la dualité. L’être humain était toujours présenté dans son rapport avec un environnement qui, bien que situé en dehors de la personne même, était néanmoins caractérisé et formé par elle. Dans la série Metamorphosis avec laquelle Krystyna Ziach réussissait sa première percée vers la critique d’art, elle concentrait son attention sur la dissolution du moi, son absorption dans les fonds peints. Ces œuvres évoluaient en grande partie de l’image, faisaient preuve d’expressivité et de spontanéité, développaient leur problématique et leur fondement philosophique dans la réflexion de l’image peint. Dans ces œuvres Krystyna Ziach se montre déjà une représentante précoce de la photographie mise en scène et de la photo performance. Sa combinaison réussie de principes de la peinture et principes conceptuels a transformé l’acte de faire une photo en une pure exécution finale de l’œuvre d’art déjà complété. Pour Krystyna Ziach la photographie est le médium à l’aide duquel elle soude les composants variés de son œuvre - la peinture, la performance, le concept et plus tard aussi l’assemblage et la sculpture - en un ensemble nouveau. A travers la photographie elle peut joindre les éléments hétérogènes et donner à l’œuvre d’art une nouvelle identité. Sa série suivante intitulée Japan était basée sur un séjour de deux mois au Japon et traite de la relation de l’homme avec la religiosité. Le bouddhisme, avec ses racines profondes dans les pensées quotidiennes des gens, l’avait défié d’examiner le problème. De nouveau elle démontre sa capacité de penser en images et, ce faisant, de nous présenter les éléments essentiels de la formulation intellectuelle du problème, tels que l’élément méditatif, l’omniprésence, la transparence et la spiritualité du bouddhisme. Formellement l’élément sculptural fait son entrée dans son œuvre avec le caractère ‘objet’ de l’œuvre Infinity. Même ici, dans cette série, les aspects thématiques sont traités. L’élément expressif, spontané des œuvres de la première période devient moins important que la simplicité, la composition claire, l’esthétique parfaite qui largement caractérisent la pensée japonaise.
Melancholy revient thématiquement à l’élément rationnel, dans le dialogue avec les dessins de Leonardo concernant les mesures humaines, mais confronte cette rationalité de la Renaissance italienne avec l’émotivité allemande, du fait que dans le titre l’artiste nous réfère à la gravure sur cuivre ‘Melancholie’ de Dürer. Ce faisant elle s’associe à la vision de Dürer, qui dans sa gravure relie la clarté de la technique et des moyens visuels avec la mélancolie. Dans ses œuvres Krystyna Ziach parvient à une dualité similaire, du fait qu’elle confronte les motifs de la Renaissance, les dessins géométriques ou les photographies des sculptures de Michel-Ange, avec la peinture gestuelle et coince les corps humains dans des formes triangulaires. Surtout dans Space of Imagination la tension entre le corps plié et la ligne triangulaire fine, à peine perceptible, par laquelle il est bordé, donne la sensation d’une immobilité cruellement douloureuse. La légèreté du dessin blanc géométrique flottant devant l’arrière-plan noir met un accent particulier sur ce contraste de la clarté géométrique et de l’insouciance avec la corporalité animale coincée. Autrement que chez Leonardo Da Vinci, dont les figures humaines fermement définissent la mesure géométrique, la contradiction entre l’esprit et le corps domine dans l’œuvre de Krystyna Ziach comme une expérience plutôt douloureuse. Dans Garden of Illusion Krystyna Ziach retourne à l’esthétique de la série Japan. Les œuvres photographiques individuels sont assemblés en installations, leurs moyens visuels sont réduits et métaphoriques, sa propre personne se retire en dedans de l’image et de ses émotions. Le visage d´une femme en extase, un giron féminin, sont les rares allusions discrètes à l’expressivité de jadis. Dans Garden of Illusion le spectateur doit tenir le rôle, que jouait la personne représentée dans les œuvres de ses débuts. La contradiction immanente de l’œuvre de la première période a été remplacée par la confrontation du spectateur avec l’installation spatiale. La clarté des formes - car la géométrie a maintenant fait son entrée dans les cadres des images - l’irritation par les miroirs, le secret du rideau, l’énigme des contreparties, ne permettent pas d’explications univoques. Alors que les images se reflètent et se multiplient, le spectateur prend seulement conscience du fait qu’il n’est pas en face de copies de la réalité, mais d’illusions de la réalité dont le contenu doit être exploré. Le Garden of Illusion est un endroit où le spectateur doit d’abord définir sa position. Cet endroit est certainement variable et dépend de la personne qui essaye de le sonder. C’est avec juste raison que dans cet œuvre Krystyna Ziacha a choisi le langage de l’objectivité, de la surface froide, du poli esthétique. Des titres tels que The Inside of a Dream et The Curtain of Pleasure ne font que susciter des espérances auxquelles la plupart des photos objets, avec leur apparence froide, ne peuvent et ne veulent répondre. Le portrait d’une femme, le giron féminin, une main, de l’herbe, des surfaces brisés, signalent où la contrepartie doit être arrêter. Leurs titres sont Diary of Desire ou Breathing I and II. C’est dans ces photos noir et blanc discrètes, et non pas dans les Cibachromes avec leurs couleurs brillantes, que se trouvent les références à la vie, à l’émotion. Avec Garden of Illusion Krystyna Ziach semble se défaire de son expressivité d’autrefois et plutôt adopter une position plus conceptuelle et minimaliste. Pourtant il me semble dans une vue rétrospective que son œuvre évolue avec un mouvement pendulaire entre l’émotivité et la rationalité qui à tour de rôle dominent les moyens visuels. Quant au contenu l’accent reste toutefois sur ce domaine, Krystyna Ziach concevant la chose rationnelle, transparente comme contenant la culture humaine, cependant toujours la définissant comme une chose trouvée en dehors du moi réel, en particulier en dehors du moi émotionnel, et par conséquent aussi en dehors de l’épanouissement et de l’assouvissement. Son œuvre est certainement imprégné de cette contradiction et essentiellement par le fait qu’il ne trouve pas son élucidation dans le réel. Il est pourtant remarquable que dans l’œuvre de Krystyna Ziach le rationnel va toujours de pair avec le poli et l’inaccessibilité, tandis que la vie est dans l’émotionnel. En dépit de toutes ses chimères de la beauté parfaite, Garden of Illusion témoigne de la quête du réel, de la vie elle-même.
Traduction : Hanny Keulers