Japan / Krystyna Ziach, by H. Dalitz, 1988
Huib Dalitz is a former director of the Foundation of Visual Arts Amsterdam
Catalogue Japan / Krystyna Ziach, published by FOTO magazine 1988, NL

It is no surprise that the two months Krystyna Ziach spent in Japan in early 1987 have made a deep impression on her. For an artist of the West like her, with a study of art history as cultural background and born and raised in Poland, with its art tradition influenced by Russian constructivism as well as surrealism, Japan not only offers new experiences, but also additions to and a deeper understanding of earlier ones. In the complex whole of Japanese culture, Krystyna Ziach was above all fascinated by the importance in this culture of beauty and artificiality, in close relation with each other, and by the notion of spiritual strength, which is especially pivotal to Japanese religions, such as Shinto and Zen Buddhism. These notions are the starting point for her work presented here, which gives us her intuitional impressions of Japan and Japanese culture. In making this work she has of course drawn on the sources of her own cultural background, her own tradition and her own artistic visual language. The work presented here directly refers to temples, Buddha sculptures, Zen gardens and the Noh and Kabuki theatre, all of which specifically express the notions of beauty, artificiality and spirituality. Of all the religions represented in Japan, Shintoism, Buddhism, Zen Buddhism, Confucianism and Christianity are the most important, the first being the oldest and together with Zen Buddhism probably the most characteristic of Japan.

Shinto
Shinto designates a religious system or, more accurately, a religious practice of rituals, which probably dates back to the worship of nature by the earliest peoples living in Japan. Shinto is based on a feeling of awe towards every remarkable natural phenomenon, such as the fanciful growth of a tree, the peculiar form of a rock or a waterfall. All things inspiring awe are referred to as ‘kami’, which can be translated as ‘God’ or ‘sublime’. Shinto therefore more or less means ‘the way of the kami’, or ‘the way of the gods’. According to Shinto everything has a kami, a spiritual strength, attributed to qualities such as growth, fertility, and natural phenomena such as wind, sun and mountains, but also to notions such as ‘justice’ and political order. Especially through the latter possibilities of application, Shinto still is topical and also of political importance. The believe in kami is expressed in the worship of objects and places to which important kami are attributed and for which temples have been built on the spot. The entrances to the shrines are mostly indicated by what are called ‘torii’, gates, often consisting of simple wooden columns and cross beams, but which can also be richly decorated and lacquered. These gates, sometimes in a row behind each other, literally mark the boundary between a profane and a sacred space. In the triptych The Way of the Sacred Spirits, Krystyna Ziach has represented the torii of the temple of Inari in the central part, flanked by two halves of a human figure surrounded by a kimono-like form. Like the stone gatekeepers often found alongside the Japanese torii, these figures seem to symbolize the journey from the profane to the sacred, by the contrast of dress and nudity.

Zen Buddhism
According to tradition Zen Buddhism developed when Buddha, asked to speak of the dharma (to be more or less translated as ‘cosmic order’), showed a lotus flower without speaking. This is a characteristic example of the often speechless way in which in Zen an attempt is made to create insight, spiritual illumination. In Zen arts, such as Haiku, Zen gardens and the Noh theatre, this is expressed by extreme abstraction which reduces the images to the essential, leaving out the superfluous. A clear example of this are Zen gardens, such as the well-known garden of sand and stone Ryôan-ji. Zen gardens are not an aim in itself, but are above all meant as a means of meditation and contemplation. These gardens are based on ink drawings of Chinese landscapes imported in Japan around 600 A.D. These drawings in Sansui style (literally meaning ‘mountains and water’) represent high - rising mountains, with ravines veiled in fog and often somewhere below small human figures. On the one hand they express worship of nature, on the other they show the insignificance of man in the Great Scheme of Nature. Starting from the same basic principles, Zen gardens have been constructed in an attempt to realise – in the smallest possible space and with the basic elements of stones, trees and water - a composition that is on the one hand entirely artificial, often even abstract, but on the other hand still represents the notion of a complete and harmonious world. A similar idea is expressed by Krystyna Ziach in her work The Artificial Beauty of the Imperial Gardens, a work situated in these gardens in Tokyo, in which she portrayed herself as part of the tree structure.

Noh and Kabuki theatre
The Kabuki and the Noh theatre, to be considered respectively as popular theatre and theatre for the (Zen) elite, are both characterized by a high degree of stylization and the use of stringent forms. The Noh theatre, based on the fundaments of Zen Buddhism, is built around a dance in which the attempt is made to express one single emotion, such as hatred, love or sorrow. To do so it uses the human figure and movement in an almost sculptural series of postures which have to create an increasing intensity of the expressed emotion. The masked actors do not follow a clear narrative structure, similarly to the ideas of Zen which are not expressed through the daily logic of language. In the Kabuki theatre the psyche of the protagonists in the play is acted out in a more or less similar way. There is more of a narrative structure and the chosen form offers Europeans more associations with the Comedia dell’Arte. But like the Noh theatre, Kabuki is also highly stylized. The means of expression consist of traditional forms, called ‘kata’, prescribed for each role and each play. Here to one could speak of an ‘almost frozen expression’, the traditional character of which makes the play more recognizable and accessible for the viewer. Realism is reduced as much as possible and the emphasis is above all on the beauty of form. It is indeed through these longstanding traditions, in which forms take shape to become established kata patterns, that the theatre gets the character of a ritual. The importance these traditions are deemed to have and the value attached to the Kabuki theatre in Japan, may appear from the fact that the actors are mostly descendants of a few actors families and are sometimes referred to as ‘living national monuments’. In The Splendid Decadence of Kabuki Krystyna Ziach has portrayed some of these ideas, in this way linking up with her previous work in which fascination with the theatre and stylization of the human figure are expressed.

Beauty and artificiality
In the Japanese arts, from Haiku to Ikebana flower arranging, the esthetic form plays an important role. The tendency towards tradition and abstraction has led to beauty being reduced to almost formal shapes. A striking point is that at first the natural is recreated and transformed. Thus the pure beauty of form is to a great extent artificial.

Krystyna Ziach
Each work of art refers more or less directly to its maker. After all the choice of subject, colour and composition, as well as the decision to exhibit are personal, even though they may be made within traditions reducing the individual contribution to a minimum. The autobiographical may be of minor importance, e.g. when the artist tries to register part of reality as objectively as possible – meaning the least personal possible - or tries in a formal way to find a solution for a compositional problem. But Krystyna Ziach's work is highly personal, if it were only because she often performs in person in the settings she has created. Her earlier work mainly shows theatrical situations, referring to monumental Michelangeloesque sculptures, such as Baroque (1985) (Camera International, 1986, nr6), or to Francis Bacon in her Studies on Bacon (1986). Although Krystyna Ziach has photographed herself in these works, they are not in the first place about her, but about a form, an idea taking shape by emphasising the theatrical and thus abstracting the individual. This transcending the individual is underlined by the fact that her body is often partially painted over and thus absorbed in the background or integrated in the setting with pieces of cloth or paper. Examples of this working method can also be found in a number of the works presented here, such as Ikebana and Black Rain. This way of styling does not result in impersonal work, on the contrary, it expresses a high intensity and above all corporality. After all it is no coincidence that she represents herself in such performance-like situations. In the context of her earlier work it is not surprising that, in her meeting with Japan and Japanese culture, she is above all fascinated by the way the paradox between pathos and stylization is solved in the different art forms and that she reports of these facts in her own way.
Translation: Hanny Keulers

Le Japon / Krystyna Ziach, par H. Dalitz, 1988
Huib Dalitz est un ancien directeur de la Fondation des beaux-arts Amsterdam

Ce n’est pas étonnant que les deux mois que Krystyna Ziach a passé au Japon au début de l’année 1987 ont produit une si vive impression sur elle. Pour une plasticienne de l’ouest comme elle, ayant étudié l’histoire de l’art dans le pays où elle est née et a grandi, la Pologne, avec sa tradition artistique influencée par le constructivisme russe et le surréalisme, le Japon offre non seulement des expériences nouvelles, mais aussi des ajouts aux et une compréhension plus profonde des expériences antérieurs. Dans l’ensemble complexe de la culture japonaise, Krystyna Ziach était surtout fascinée par l’importance prêtée dans cette culture à la beauté et l’artificialité, étroitement liées l’une à l’autre, et à la notion de la force spirituelle, à laquelle on donne la primauté, surtout dans les religions japonaises telles que le shinto et le bouddhisme zen. Ces notions constituent le point de départ pour les œuvres présentées ici, qui nous donnent ses impressions intuitives du Japon et de la culture japonaise. En créant ces œuvres elle a évidemment puisé aux sources de sa propre culture, sa propre tradition et son propre langage visuel artistique. Les œuvres présentées ici réfèrent directement aux temples, aux sculptures bouddha, aux jardins zen et aux théâtres Nô et Kabuki, qui tous expriment spécifiquement les notions de la beauté, de l’artificialité et de la spiritualité.

Le Japon
De toutes les religions représentées au Japon, le shintoïsme, le bouddhisme, le bouddhisme zen, le confucianisme et le christianisme sont les plus importants, le premier étant le plus vieux et, avec le bouddhisme zen, le plus caractéristique du Japon

Le Shinto
Le Shinto est un système religieux où, plus précisément, une pratique religieuse de rites, qui dérive probablement du culte de la nature pratiqué par les peuples les plus anciens vivant au Japon. Le shinto est basé sur un sentiment de déférence pour chaque phénomène naturel remarquable, tel que la croissance capricieuse d’un arbre, la forme baroque d’un rocher ou d’une cascade. Toutes les choses qui inspirent la déférence sont désignées par le mot ‘kami’, ce qui peut se traduire par ‘Dieu’ ou ‘sublime’. De ce fait ‘shinto’ veut plus ou moins dire ‘le chemin du kami’, ou ‘le chemin des dieux’. Selon le shinto toute chose a un ‘kami’, une force spirituelle, attribuée à des qualités telles que la croissance et la fertilité, ainsi qu’aux phénomènes naturels tels que le vent, le soleil et les montagnes, mais aussi aux notions telles que ‘justice’ et ‘ordre (politique)’. Surtout à cause de ces dernières possibilités d’utilisation, le shinto est encore actuel et a aussi une importance politique. La croyance en ‘kami’ s’exprime par la vénération des objets et des endroits auxquels des kami importants sont attribués et pour lesquels des temples ont été édifiés sur place. Les entrées aux sanctuaires sont généralement indiquées par ce que l’on appelle ‘torii’, portes, qui souvent consistent en des simples colonnes et traverses en bois, mais qui peuvent aussi être décorés et laqués de façon extravagante. Ces portes, parfois alignées l’une après l’autre, marquent littéralement la limite entre un espace profane et un espace sacral. Dans le triptyque The Way of the Sacred Spirits, Krystyna Ziach a représenté les torii du temple d’Inari sur le panneau central, flanqués des deux moitiés d’une figure humaine entourée ces figures semble symboliser le voyage du profane vers le sacré, par le contraste des habits avec la nudité.

Le Bouddhisme Zen
Selon la tradition, le bouddhisme zen a été développé quand bouddha, ayant été demandé de parler du dharma (ce qui se traduit grosso modo par ‘ordre cosmique’), montrait une fleur de lotus sans mot dire. C’est un exemple caractéristique de la façon souvent silencieuse dont le zen tente de créer la conscience, l’illumination spirituelle. Dans les arts zen, tel que le Haiku, les jardins zen et le théâtre Nô, ceci s’exprime par une abstraction extrême qui ramène les images à l’essentiel, en supprimant le superflu. Un bon exemple de cela sont les jardins zen, tel que le jardin célèbre de sable et de pierre Ryôan-ji. Les jardins zen ne sont pas un but en soi, mais sont surtout conçu comme un moyen de méditation et de contemplation. Ces jardins sont fondés sur des dessins à l’encre de paysages chinois importés au Japon autour de 600 ap. J.-C. Ces dessins dans le style Sansui (ce qui veut dire littéralement ‘les montagnes et l’eau’) représentent des montagnes très élevées, avec des précipices embrumés et souvent quelque part en bas des figures humaines minuscules. D’une part ils expriment la vénération de la nature, d’autre part ils montre l’insignifiance de l’être humain dans le Grand Schéma de la nature. Selon les mêmes principes les jardins zen ont été construits dans un effort de réaliser – dans l’espace le plus petit possible et avec comme éléments de base les pierres, les arbres et l’eau – une composition qui d’une part est totalement artificielle, souvent même abstraite, mais qui d’autre part représente quand-même la notion d’un monde complet et harmonieux. Une idée similaire est exprimée par Krystyna Ziach dans son œuvre The Artificial Beauty of the Imperial Gardens, une œuvre située dans ces jardins à Tokyo dans laquelle elle présente sa personne comme faisant partie de la structure d’un arbre.

Les théâtres Nô et Kabuki
Le Kabuki et le théâtre Nô, respectivement à considérer comme théâtre populaire et théâtre pour l’élite (zen), se caractérisent tous deux par une grande stylisation et l’usage de formes strictes. Le théâtre Nô, basé sur les fondements du bouddhisme zen, est construit autour d’une danse dans laquelle on tente d’exprimer une seule émotion, telle que la haine, l’amour ou le chagrin. Cela se fait par l’utilisation de la figure humaine et du mouvement, dans une série de poses presque sculpturales, qui doivent créer une intensité croissante de l’émotion exprimée. Les acteurs masqués ne se servent pas d’une structure narrative claire, tout aussi peu que les idées zen sont exprimées à travers la logique quotidienne du langage. Dans le théâtre Kabuki la psyché des protagonistes de la pièce est interprétée plus au moins de la même façon. Il y a une structure narrative plus marquée et la forme choisie offre aux Européens plus d’associations avec la Comedia dell’Arte. Mais comme le théâtre Nô, le Kabuki est également très stylisé. Les moyens d’expression se composent de formes traditionnelles, appelées ‘kata’, prescrites pour chaque rôle et chaque pièce. Il s’agit ici aussi d’une ‘expression presque glacée’, dont le caractère traditionnel rend la pièce plus reconnaissable et plus accessible pour le spectateur. Le réalisme est réduit le plus possible et l’accent est surtout sur la beauté de la forme. C’est justement par les longues traditions, dans lesquelles se cristallisent les formes pour devenir des patrons ‘kata’ établis, que le théâtre obtient le caractère d’un rite. L’importance que ces traditions sont considérées avoir et la valeur attachée au théâtre Kabuki au Japon, sont d’une forme kimono. Comme les huissiers en pierre que l’on trouvait souvent à côté des torii japonaises, illustrées pas le fait que les acteurs sont le plus souvent descendants de quelques familles d’acteurs et sont parfois qualifiés d’être des ‘monuments nationaux vivants’. Dans The Splendid Decadence of Kabuki Krystyna Ziach a donné corps à quelques-unes de ces idées et a ainsi établi un rapport avec son œuvre antérieur, dans lequel la fascination pour le théâtre et la stylisation de la forme humaine sont exprimées.

La beauté et l’artificialité
Dans les arts japonais, du Haiku à l’arrangement floral Ikebana, la forme esthétique joue un rôle important. La tendance vers la tradition et l’abstraction aboutit à ce que la beauté est réduit aux formes presque formelles. Il est remarquable que le naturel est d’abord recréé et transformé. La pure beauté de la forme est donc au plus haut degré artificielle.

Krystyna Ziach
Chaque œuvre d’art réfère plus au moins directement à son créateur. Après tout, le choix du sujet, de la couleur et de la composition, ainsi que la décision d’exposer sont personnels, même s’ils peuvent être fait et pris au-dedans de traditions qui réduisent la contribution de l’individu au minimum. L’autobiographique peut être d’intérêt secondaire, par exemple si l’artiste essaie d’enregistrer la réalité le plus objectivement possible – c.-à-d. le moins personnel possible – ou essaie de façon formelle de trouver la solution d’un problème compositionnel. Mais l’œuvre de Krystyna Ziach est très personnel, si ce n’était que parce que souvent elle figure elle-même dans les décors qu’elle a créés. Ses œuvres antérieures souvent présentent des situations théâtrales, qui réfèrent aux sculptures monumentales de Michelangelo, telles que Baroque (1985) (Camera International, 1986, nr 6), ou à Francis Bacon dans son Studies on Bacon (1986). Même si Krystyna Ziach s’est photographiée elle-même dans ces œuvres, elles ne traitent pas en premier lieu de sa personne, mais d’une forme, d’une idée qui prend corps par l’insistance sur le théâtral et par suite l’abstraction de l’individuel. Cette transcendance de l’individuel est soulignée par le fait que son corps est souvent partiellement couvert de peinture et ainsi absorbé dans l’arrière-plan ou intégré dans le décor avec des morceaux de toile ou de papier. Des exemples de cette méthode de travail se trouvent aussi dans quelques œuvres présentées ici, telle que Ikebana et Black Rain. Cette esthétique n’aboutit pas à des œuvres impersonnelles, au contraire, elles expriment une grande intensité et surtout physique. Après tout ce n’est pas par hasard qu’elle se représente dans de telles situations ‘performance’. Dans le contexte de son œuvre antérieur ce n’est pas étonnant que, dans son initiation au Japon et à la culture japonaise, elle soit surtout fasciné par la façon dont le paradoxe entre le pathétique et la stylisation est résolu dans les différentes formes d’art et qu’elle nous relates ces faits de sa propre façon.
Traduction : Hanny Keulers